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24 Nov 2014
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La fotografía urbana/ Street Photography

Acabamos de terminar el curso de un fin de semana de Fotografía Urbana con Alberto Verdú,  así que he decidido dedicar una entrada de blog a la  fotografía urbana que, teniendo en cuenta su amplitud, es una tarea difícil ya que tengo que reducir un repertorio de fotógrafos de la calle con talento y altamente cualificados a un número reducido que no hace justicia a los que han quedado fuera.

Having just finished the weekend course Fotografía Urbana with Alberto Verdú, I decided to dedicate a blog entry to street photography, which, considering its breadth is quite a challenging task since I will have to reduce a repertoire of talented and highly skilled street photographers to a meagre number that does no justice to those left out. 

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uno do los ejercicios que hicimos con Alberto Verdú

Supongo que la idea de la fotografía urbana evoca una imagen de París a principios del siglo XX en muchos de nosotros, «Le Baiser de l’Hotel de Ville» de Robert Doisneau es un prototipo de esta idea, y no es sorprendente que la ciudad sea considerada la cuna de esta rama de la fotografía. Henry Cartier-Bresson, Barssaï, André Kertész, Robert Doisneau y muchos otros recorrieron las calles de la bulliciosa ciudad en busca de capturar el momento e inmortalizar su mundo.

I suppose the notion of street photography conjures up an image of Paris in the early twentieth century in many of us, as epitomised by “Le Baiser de l’Hotel de Ville” by Robert Doisneau, and not surprisingly, the city is considered the birthplace of this branch of photography. Henry Cartier-Bresson, Barssaï, André Kertész, Robert Doisneau and many others scoured the streets of the bustling city looking to capture the moment and immortalize their world. 

 

Robert Doisneau - Le Baiser de l'Hotel de Ville, Paris, 1950
Robert Doisneau – Le Baiser de l’Hotel de Ville, Paris, 1950

Personalmente me parece difícil distinguir la fotografía urbana de otros géneros, como el fotoperiodismo o la fotografía documental. Steve Edwards en su libro Photography: A Very Short Introduction afirma que la diferencia entre la fotografía urbana y la fotografía documental no es muy clara, sin embargo «En general, los fotógrafos [urbanos] que trabajan de este modo tienden a evitar los dos temas claves de documental – reportaje de guerra y la investigación social – aunque, en el caso de esta última categoría, la fotografía urbana tiene su raíz en los espacios de la clase trabajadora.»

I personally find it difficult to distinguish street photography from other genres, such as photojournalism or documentary photography for that matter. Steve Edwards in his book Photography: A Very Short Introduction claims that the difference between street photography and documentary photography is blurred, however “By and large, the [street] photographers working in this mode tended to avoid the two key themes of documentary – war reportage and social investigation – thought, in the case of the latter category, street photography is characteristically rooted in working-class spaces.”

He intentado investigar a algunos maestros de la fotografía del siglo XX que trabajaron como fotógrafos urbanos ya sea por medio de la documentación del entorno y sus habitantes, llevando un diario fotográfico de lo que vieron, contando una historia o simplemente entrenándose con la alegría de capturar lo que Henri Cartier-Bresson llamó el «momento decisivo». Al fin y al cabo, ninguna categoría es capaz de tener en cuenta todas las complejidades del ser humano, y de la sociedad en que vivimos aún menos. Estas complejidades se reflejan inevitablemente en las imágenes tomadas.

I endeavour to look at some masters of photography of the twentieth century who worked in the streets either by way of documenting the environment and its inhabitants, keeping a photographic journal of what they saw, telling a story or merely entertaining themselves with the joy of capturing what Henri Cartier-Bresson called the “decisive movement”. After all, no categorization is ever able to take into account all the complexities of a human being, let alone the society that we live in, which complexities are inevitably reflected in the images taken. 

   Eugène Atget

Aunque la fotografía urbana, tal como se entiende en el sentido tradicional, tiene su objetivo en la divulgación de la condición humana en lugares públicos, en lugar de centrarse en la arquitectura y los numerosos objetos inanimados que inundan el mundo habitado, quiero tomar un vistazo a la imágenes inquietantes y misteriosas del fotógrafo francés, Eugen Atget que estaba intrigado porque inmortalizó precisamente estas últimas características de París. Trabajó entre1890-1920, hasta su muerte en 1927, concentrando su atención en «lo poco espectacular, lo pasado por alto, las características anteriormente desatendidas de la vida cotidiana.» (A History of Photography, editado por Therese Mulligan and David Wooters)

Although street photography, as understood in the traditional sense, has its objective the disclosure of the human condition in public places, as opposed to focusing on the architecture and the many inanimate objects that inundate the inhabited world, I want to take a glimpse at the haunting and mysterious images of the French photographer, Eugen Atget who was intrigued by and immortalized   precisely these latter features of Paris. He worked in the 1890s-1920s, until his death in 1927, concentrating his attention on “the unspectacular, the overlooked, the previously disregarded features of daily life.” (A History of Photography, edited by Therese Mulligan and David Wooters) 

No hablar de Atget sería un error tan grave como emitir la importancia de Paul Cézanne cuando se trata de la pintura moderna, que es una analogía interesante en sí misma. De hecho, considero que Atget influyo en muchos movimientos artísticos, como el surrealismo y la vanguardia. Tanto Cézanne como Atget están considerados los antepasados del realismo: Cézanne estuvo ensimismado por encontrar la esencia detrás del mundo visible, mientras que Atget centró su atención en la documentación de la cara de París que estaba en constante cambio, reconociendo la naturaleza efímera del mundo como él lo conocía. De este modo, los dos estaban luchando por la objetividad: Cézanne se apartó de los impresionistas que confiaron en sus sentidos y representaban una imagen altamente subjetiva del mundo; de modo parecido Atget dejó el pictorialismo detrás observando el mundo a través de su lente en vez de reinterpretarlo.

Not to talk about Atget would be as grave an error as emitting the importance of Paul Cézanne when it comes to modern painting, which is an interesting analogy in itself since Atget is in fact considered to have influenced many art movements, such as surrealism and the avant-garde. Both Cézanne and Atget are considered forefathers of realism: Cézanne was concerned with finding the essence behind the visible world, whereas Atget focussed his attention on documenting the face of Paris that was in constant flux, recognizing the ephemeral nature of the world as he knew it. In doing so, they were both striving for objectivity: Cézanne turned away from the Impressionists who relied on their senses and depicted a highly subjective image of the world; similarly Atget left Pictorialism behind by observing the world thorough his lens as opposed to reinterpreting it. 

Paul Cézanne - Mont Sainte-Victoire, 1902-04
Paul Cézanne – Mont Sainte-Victoire, 1902-04

Atget nunca se vio a sí mismo como un artista; afirmó que él estaba documentando la ciudad sin interferir en ella, siempre luchando por la objetividad. En efecto, al abrir su estudio fotográfico en París en 1890, se anuncia a sí mismo como un fotógrafo de artesanía que proporcionó imágenes para ser reproducidas por los artistas. El propio Man Ray poseía unas cuantas fotos por Atget y popularizó su trabajo entre el círculo surrealista. A través de él, Berenice Abbott, la asistente de Man Ray en aquel momento, estableció relación con Atget, en quien encontró un alma gemela. Abbott reconoció inmediatamente el genio detrás de estas fotos y tras la muerte de Atget se reunió todo su trabajo y se convirtió en el único responsable de la popularización de la obra de Atget en Estados Unidos, llevándole fama póstuma en todo el mundo. Abbott encontró su propia voz en la documentación de la ciudad bulliciosa y cosmopolita de Nueva York, pero muchas de sus imágenes dan testimonio de la inmensa influencia de Atget en ella.

Atget never saw himself as an artist; he claimed that he was documenting the city without interfering with it, always striving for objectivity. Indeed, upon opening his photographic studio in Paris in 1890, he advertised himself as a craft photographer who provided images to be reproduced by artists. Man Ray himself owned a few photos by Atget and popularized his work among the surrealist circle. Through him, Berenice Abbott, Man Ray’s assistant at the time, became acquainted with Atget, in whom she found a kindred spirit. Abbott immediately recognized the genius behind these pictures and following Atget’s death she gathered all his work and became solely responsible for popularizing Atget’s work in the United States, bringing him posthumous worldwide fame. Abbott found her own voice in documenting the bustling and cosmopolitan city of New York, but many of her images bear witness to Atget’s immense influence on her.

Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget
Eugène Atget

    Henry Cartier-Bresson

Cartier-Bresson fue bendecido con un amor insaciable de la vida, que brilla a través de sus fotografías. Empezó a dibujar y pintar a una edad temprana y sólo se dedicó a la fotografía en 1932 después de ver la imagen Three Boys at Lake Tanganyika, tomada en la playa en Liberia por el fotógrafo húngaro Martin Munkácsi. Bresson dijo: «Para mí esta fotografía fue la chispa que encendió mi entusiasmo. De repente me di cuenta de que, al capturar el momento, la fotografía era capaz de alcanzar la eternidad. Es la única fotografía que me ha influido. Esta foto tiene tal intensidad, tal alegría de vivir, tal sensación de maravilla que me sigue fascinando hasta hoy.»

Cartier-Bresson was blessed with an insatiable love of life, which shines through his photographs. He started drawing and painting at a young age and only took up photography seriously in 1932 after seeing the image Three Boys at Lake Tanganyika, taken on the beach in Liberia by the Hungarian photographer Martin Munkácsi. Bresson said, «For me this photograph was the spark that ignited my enthusiasm. I suddenly realized that, by capturing the moment, photography was able to achieve eternity. It is the only photograph to have influenced me. This picture has such intensity, such joie de vivre, such a sense of wonder that it continues to fascinate me to this day.»

Three Boys at Lake Tanganyka, por Martin Munkácsi
Three Boys at Lake Tanganyka, por Martin Munkácsi

De hecho, comenzó produciendo imágenes asombrosas en todas partes. Su Leica III de 33 mm equipado con una lente de 50 mm se convirtió en una extensión de sus ojos, que es probablemente la razón por la que fue capaz de capturar algunas de las imágenes más icónicas del siglo 20. Su forma de trabajar también era peculiar: fue un cazador buscando el momento de euforia, pero con el fin de ser capaz de trabajar sin intervenir, tenía que ser como un gato – prácticamente invisible, caminando de puntillas elegantemente alrededor de sus sujetos.

Indeed, he started churning out amazing images everywhere he went. His 35mm rangefinder Leica III fitted with a 50mm lens became an extension of his eyes, which is probably why he was able to capture some of the most iconic images of the 20th century. His way of working was also idiosyncratic: he was a hunter looking for the euphoric moment, but in order to be able to work without intervention he needed to be like a cat – virtually invisible, elegantly tiptoeing around his subjects. 

Cartier-Bresso formuló la expresión «momento decisivo» que, según Steve Edwards, el fotógrafo «defino como el punto exacto en el que los detalles contingentes alinearon para crear un orden de composición perfecta.» Bresson creyó que el fotógrafo tenía que mirar y preguntarse acerca de lo que hay detrás de lo visible, no sólo identificar a sus sujetos. Sabía intuitivamente cuando el momento justo estaba por llegar y así fue capaz de capturarlo. Pero esta capacidad aunque podría ser innata, puede ser cultivada: presupone una inmensa concentración y enfoque en los alrededores. Bresson nunca salió con el fin de encontrar las fotos, él creyó que el fotógrafo tenía que estar allí y ser receptivo al medio ambiente, por lo tanto las fotos o los momentos decisivos le encontraron a él.

Cartier-Bresson coined the concept “decisive moment” which, according to Steve Edwards, he “defined as the precise point at which contingent details aligned to create a perfect compositional arrangement.” He believed that the photographer has to look and ask himself about the meaning behind what he sees, not merely identify his subjects. He intuitively knew when the right moment was about to arrive and thus was able to capture it. But this ability although it might be innate, can be cultivated: it presupposes immense concentration and focus on the surroundings. He never went out in order to find photos, he believed that the photographer had to be there and be receptive to the environment, thus the photos or decisive moments found him.

Tenía un estilo anecdótico y poético, con un elemento dramático que infundía en cada imagen que Bresson consideraba exitosa. El juego de luces y sombras es siempre una parte esencial de sus fotos, pero, más importante aún, él estaba interesado en la forma y la geometría. Cuando todas las formas llegaron a los lugares adecuados, la composición fue perfecta – y eso fue su “momento decisivo”. Continuó haciendo fotos hasta 1969, cuando regresó a su primer amor: el dibujo.

He had a poetic, anecdotal style, with a dramatic element that infused every picture he considered successful. The play of light and shadow is always an essential part of his pictures but, more importantly, he was interested in form and geometry. When all shapes and forms arrived in the right places, the composition was right – and that was his “decisive moment.” He continued taking pictures until 1969, when he returned to his primary love: drawing.

Behind the Gare Saint-Lazare 1932, por HCB
Henri Cartier-Bresson – Behind the Gare Saint-Lazare 1932

«Para mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, de la importancia de un evento, así como de una organización precisa de las formas que le dan ese evento su expresión adecuada.» Henri Cartier-Bresson

«To me, photography is the simultaneous recognition, in a fraction of a second, of the significance of an event as well as of a precise organization of forms which give that event its proper expression.» Henri Cartier-Bresson

Behind the Gare Saint-Lazare 1932, por HCB
Henri Cartier-Bresson 

«Nuevos descubrimientos constantes en la química y óptica están ampliando considerablemente nuestro campo de acción. Depende de nosotros para aplicarlos a nuestra técnica, para mejorar nosotros mismos, pero hay un grupo amplio de fetiches que se han desarrollado sobre el tema de la técnica. La técnica es importante sólo en la medida en que se debe dominar para poder comunicar lo que se ve… La cámara para nosotros es una herramienta, no un bonito juguete mecánico. En el funcionamiento preciso del objeto mecánico tal vez haya una compensación inconsciente por las ansiedades e incertidumbres de las actividades diarias. En cualquier caso, la gente piensa demasiado acerca de las técnicas y no lo suficiente acerca de ver. «Henri Cartier-Bresson: The Decisive Moment (1952)

“Constant new discoveries in chemistry and optics are widening considerably our field of action. It is up to us to apply them to our technique, to improve ourselves, but there is a whole group of fetishes which have developed on the subject of technique. Technique is important only insofar as you must master it in order to communicate what you see… The camera for us is a tool, not a pretty mechanical toy. In the precise functioning of the mechanical object perhaps there is an unconscious compensation for the anxieties and uncertainties of daily endeavour. In any case, people think far too much about techniques and not enough about seeing. ” Henri Cartier-Bresson: The Decisive Moment (1952)

Near Strasbourg France 1944, por HCB
Henri Cartier-Bresson – Near Strasbourg France 1944
Roman Amphitheatre Valencia 1933, por HCB
Henri Cartier-Bresson – Roman Amphitheatre Valencia 1933
Romania 1975, por HCB
Henri Cartier-Bresson – Romania 1975

    Lisette Model

Nació en Viena, de padre judío y madre católica. Como era de esperar de alguien que nació en Viena su primer amor fue la música, que estudió con el famoso compositor de vanguardia Arnold Schönberg antes de trasladarse a París para continuar sus estudios en este campo. Sin embargo, después de haber oído que no iba a ganarse la vida con esa carrera, decidió buscar una válvula artística diferente. En primer lugar, se dedicó a la pintura con el pintor surrealista y profesor André Lhote, y después aprendió fotografía de su hermana Olga, que era también una fotógrafo profesional.

She was born in Vienna to a Jewish father and Catholic mother. As might be expected for someone born in Vienna her first love was music, which she studied with the famous avant-garde composer Arnold Schönberg before moving to Paris to further her studies in the field. However, having been told that she would not make a living with that career, she decided to look for a different artistic outlet. First, she took up painting with the surrealist painter and teacher Andre Lhote, then she learned photography from her sister Olga, who was a professional photographer. 

En 1937, emigró a los Estados Unidos con su marido Evsa Model, donde contribuyó a revistas como Harper’s Bazaar, Cue, PM Weekly Look. Más tarde, comenzó a enseñar fotografía, y en 1951, fue invitada a dar clases en la New School for Social Research en Nueva York, donde también enseñaba Berenice Abbott. Model fue considerada una maestra carismática y dura, y su influencia en su alumna Diane Arbus es obvia, a pesar de que ella superó la fama de Model.

In 1937, she immigrated to the USA with her husband Evsa Model, where she contributed to magazines such as Harper’s Bazaar,  Cue, PM Weekly and Look. Later on, she started teaching photography, and in 1951, she was invited to teach at the New School for Social Research in New York, where Berenice Abbott was also teaching. Model was considered a charismatic and tough teacher, and her influence on her student Diane Arbus is obvious, although she surpassed Model’s fame. 

Model es más recordado por sus retratos de la gente en las calles, que parecen mostrar una cercanía a sus sujetos, a pesar de que había, de hecho, un par de metros de distancia entre ellos, pero cosecho sus imágenes en la postproducción. Representó sus sujetos dispares sin tratar de halagarlos, a veces mostrándoles una manera semi-grotesco, enfatizando las peculiaridades de la gente común en situaciones cotidianas y la influencia de la vida moderna en su vida y comportamiento. Sus otras series incluyen Running Legs y Reflexions en la ciudad de Nueva York.

Model is best remembered for her portraits of people in the streets, which appear to show a proximity to her subjects, although she was in fact a couple of meters away, but she cropped down her images in postproduction. She portrayed her disparate subjects without seeking to flatter them, sometimes showing them in a semi-grotesque way, emphasizing the peculiarities of ordinary people in everyday situations and the influence of modern life on their lives and behaviour. Her other series include “Running Legs” and “Reflections” in New York City. 

Lisette Model - Reflections, New York, 1939-1945
Lisette Model – Reflections, New York, 1939-1945
Lisette Model - Running Legs, 42nd Street, New York, 1940-41
Lisette Model – Running Legs, 42nd Street, New York, 1940-41
Lisette Model - Running Legs, Public Library, New York, 1940-41
Lisette Model – Running Legs, Public Library, New York, 1940-41

 

«Nos rodean  nuevas imágenes por todas partes. Son invisibles sólo por la rutina estéril y el miedo. «Model Lisette

 “New Images surround us everywhere. They are invisible only because of sterile routine convention and fear.” Lisette Model 

Lisette Model - Promenade des Anglais, Nice, 1937
Lisette Model – Promenade des Anglais, Nice, 1937

«A menudo me han preguntado lo que quería demostrar con mis fotografías. La respuesta es: no quiero demostrar nada. Las fotos me demuestran a mí, y yo soy el que se lleva la lección. «Lisette Model

“I have often been asked what I wanted to prove by my photographs. The answer is, I don’t want to prove anything. They prove to me, and I am the one who gets the lesson.” Lisette Model

Nueva York, por Lisette Model
Nueva York, por Lisette Model

«Soy un amante apasionado de la foto instantánea, porque entre todas las imágenes fotográficas esa es lo que más se acerca a la verdad… las fotos tomadas de esta manera tienen un aparente desorden e imperfección, lo que es exactamente su atractivo y su estilo» Lisette Model – desde una entrevista con Philip Lopate

“I am a passionate lover of the snapshot, because of all photographic images, it comes closest to the truth… the snapshooter[’s] pictures have an apparent disorder and imperfection which is exactly their appeal and their style” Lisette Model – from an interview with Philip Lopate

Lisette Model - Circus Man, Nice, ca.1937
Lisette Model – Circus Man, Nice, ca.1937
Lisette Model - Sleeping on Montparnasse, Paris, 1938
Lisette Model – Sleeping on Montparnasse, Paris, 1938

    Fan Ho

No puedo pensar en una imagen más icónica que Approaching Shadow tomada en 1954, donde el fotógrafo chino encontró una armonía extraña en el mundo geométrico, y sólo rompió esta unidad con la persona en la parte inferior, que está envuelto en y empequeñecido por este mundo, enfatizando la soledad que se encuentra en el mundo moderno de una manera dolorosamente elegante.

I cannot think of a more iconic picture than Approaching Shadow taken in 1954, where the Chinese photographer found uncanny harmony in the geometrical world, only breaking this unity with the person at the bottom, who is engulfed in and dwarfed by this world, emphasizing the loneliness found in the modern world in a painfully elegant fashion. 

Fan Ho - Approaching Shadow, 1956
Fan Ho – Approaching Shadow, 1956

Nació en Shanghái, pero su familia emigró a Hong Kong cuando aún era joven, donde con la ayuda de una cámara Rolleiflex que le regaló su padre documentó las calles de la ciudad en los años 50 y 60, mientras que estaba en su camino de convertirse en una ciudad metropolitana. Su devoción a la fotografía se manifestó en que Fan Ho reveló sus películas en la bañera de la familia, así como en la extensa colección de maravillosas imágenes en blanco y negro que tomó, que hablan de un una visión fresca y una sensibilidad a la composición, la perspectiva y la forma. Hasta el día de hoy, su estilo se considera moderno e impactante. Sus fotografías han sido descritas como poéticas, dramáticas y líricas. La interacción entre la luz y la sombra crea una atmósfera que destaca el drama de sus sujetos modestos.

He was born in Shanghai, but his family emigrated to Hong Kong while he was still young, where with the aid of a Rolleiflex camera given to him by his father he documented the streets of the city in the 50s and 60s while it was on its way to becoming a metropolitan city. His devotion to photography manifested in him developing the films in the family bathtub, as well as the extensive collection of wonderful black and white images he took, which speak of a keen eye and sensitivity to composition, perspective and form. To this day, his style is considered modern and impactful. His photographs have been described as poetic, dramatic and lyrical. The interplay between light and shade creates an atmosphere that emphasizes the drama of his unassuming subjects.

Él es también un aclamado director de cine y actor. Actualmente tiene su sede en California y Hong Kong. Para más información sobre Fan Ho y una entrevista detallada con el fotógrafo, pincha aquí.

He is also an acclaimed film director and actor. He is currently based in California and Hong Kong. For further information on the photographer and an insightful interview with the artist, visit this website

Fan Ho - A Touch of Tao, 1955
Fan Ho – A Touch of Tao, 1955

«Quiero expresar lo que siento en ese momento y lo que está en mi corazón. Al principio, yo tengo una imagen en mi cabeza. Me digo a mí mismo, sé que va a salir así. La expresión es de un tiempo pasado. Algo a lo largo de las líneas de deseo, supongo. «Fan Ho

“I express what I feel at the time and what is in my heart. At first, I have an image in my head. I say to myself, I know that it will come out like this. The expression is about a time past. Something along the lines of longing I suppose.” Fan Ho

Fan Ho - Magic Reality, 1962
Fan Ho – Magic Reality, 1962

«La técnica es algo que todos pueden hacer. Si quieres tomar tu fotografía a un nivel superior, debes decir algo. Mover algo. Debes sentirlo cuando haces la fotografía y esto te llevará a un nivel más alto. La fotografía tiene que ser inquietante y tiene que valer la pena. «Fan Ho

“Technique is something everyone can do. If you want to take your photography to a higher level, you must tell something. Move something. You must feel it when you make the photograph and that will take you to a higher level. Photography needs to be haunting and worth remembering.» Fan Ho

Fan Ho - Dreamscape, 1962
Fan Ho – Dreamscape, 1962

«Debes tener la sensación y obtener una respuesta del sujeto que estás fotografiando. En ese momento se debe cuidar, respirar y amar el universo – no es sólo de hacer un cuadro hermoso. Pongo toda mi vida en una sola fotografía. «Fan Ho

“You must get the feeling and get a response from the subject you are shooting. At that moment you must care, breathe and love the universe – it’s not just about making a beautiful picture. I put my whole life into a single photograph.”  Fan Ho

Fan Ho - Back Lane,1960
Fan Ho – Back Lane,1960
Fan Ho - How Time Flies, 1970
Fan Ho – How Time Flies, 1970

 

    Raghu Rai

Mientras que escribía esta entrada estaba escuchando a Sarah Chang tocando Sibelius Concierto de violín en re menor, que me llenó de una emoción que resonó maravillosamente con la imagen tomada por el fotógrafo indio Raghu Rai. Para una entrevista con él en inglés, haz clic aquí.

As I was writing this entry, I was also listening to Sarah Chang playing Sibelius Violin Concerto in D minor, which filled me with an emotion that wonderfully resonated with the image taken by Indian photographer Raghu Rai. For an interview with him in English click here

Kishori Amonkar - in a concert, por Raghu Rai
Raghu Rai – Kishori Amonkar – in a concert

«… estilos vienen y desaparecen. Yo no creo en los estilos. Creo en la comprensión simple, directa y honesta – y en capturarla con la verdad y la integridad total, de modo que se mantiene viva por sí misma siempre «Raghu Rai.

“… styles come and disappear. I don’t believe in styles. I believe in simple, direct, honest understanding – to capture it with total truth and integrity so that it stays alive for itself forever.” Raghu Rai

Light and Shade, Raghu Rai
Raghu Rai – Light and Shade

 

Raghu Rai
Raghu Rai
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